Tutti sogniamo uno spazio in cui possiamo provare il piacere e trovare la nostra realizzazione personale in modo da sentirci soddisfatti e realizzati. Nello spazio di danza noto come Soul Flow, Ivona Medić Nikolić si è sforzata di creare uno spazio che, insieme al movimento, crea uno spirito sano e quindi fornisse piacere e realizzazione personale sia ai ballerini dilettanti che ai professionisti.
Abbiamo posto alcune domande direttamente a Ivona per conoscerla meglio, ma anche il suo modo di pensare, la sua comprensione della danza e il suo spazio Soul Flow.
SOUL FLOW
– Soul Flow è uno spazio di danza dedicato alla salute dello spirito, del corpo e del movimento che opera nel campo della danza contemporanea, del balletto e dello yoga. Nel momento in cui ho creato il concetto per questo spazio, l’ho immaginato come un punto d’incontro per ballerini dilettanti e professionisti, come uno spazio residenziale-educativo che ospitasse danzatori locali e stranieri a scopo di ricerca, apprendimento e condivisione movimento e danza a livello locale. Tuttavia, quando l’idea ha cominciato a realizzarsi, ho capito che volevo “rimboccarmi le maniche” e iniziare un lavoro pedagogico diretto con gruppi specifici di studenti; ballerini autodidatti, adulti con poca o nessuna esperienza di danza e bambini in tenera età. Questo mi ha dato la motivazione e l’appagamento alla fine della giornata lavorativa, così Soul Flow è diventato intuitivamente uno spazio che raccoglie bambini in tenera età e adulti senza esperienza di danza o con pochissima esperienza nel campo del movimento. Le idee legate allo spazio Soul Flow si stanno espandendo giorno per giorno, e ci sono anche i miei progetti professionali, collaborazioni con artisti e associazioni locali, lavoro pedagogico con ballerini semi-professionisti e altro ancora. In generale, attraverso Soul Flow mi sforzo di creare uno spazio di piacere e realizzazione personale a disposizione di tutti coloro che pensano, vivono e creano un movimento – a livello ricreativo, professionale o semplicemente vogliono provarlo, ma forse non hanno osato farlo fino ad ora.
FUSIONE DELLA DANZA CONTEMPORANEA CON IL BALLETTO
– Ogni ballerino esperto concorderà che il balletto è un collegamento molto importante nella formazione tecnica e performativa di un ballerino, che è particolarmente enfatizzato nella danza contemporanea. Se parliamo di balletto classico, è, da un lato, la voce della disciplina fisica e mentale del ballerino, indipendentemente dallo stile di danza utilizzato. In relazione alla danza contemporanea, il balletto classico è molto severo ed esclusivo nei confronti delle predisposizioni fisiche e dei bisogni individuali. Tuttavia, con lo sviluppo della danza contemporanea, e in particolare delle istituzioni che educano i ballerini contemporanei, questa struttura si ammorbidisce e si adatta a diversi corpi ed espressioni di danza. Storicamente, è stato questo bisogno di libertà di espressione corporea al di fuori della forma del balletto che ha avviato l’evoluzione della scena della danza in ciò che conosciamo oggi. L’uno è nato dall’altro e oggi si intrecciano sia nella formazione di danza che nello spettacolo teatrale. Oggi il balletto ci serve davvero come un potente strumento per migliorare le prestazioni fisiche, mantenerci in forma, ma anche arricchire il vocabolario creativo. Il balletto che insegno come parte del programma di danza per adulti è delicato e funzionale per qualsiasi corporatura.
VIVO SECONDO LA MIA VOCAZIONE
– Ho mosso i primi passi di danza nella Casa per i pioneri nel 1998 sotto la guida di Slavica Šenk, frequentando regolarmente corsi di danza moderna e lezioni individuali di danza classica. A quel tempo, volevo iscrivermi alla scuola secondaria di ballo a Zagabria, a cui ho rinunciato perché allora mi sembrava spaventoso prendere una decisione così importante. Dieci anni e studi di danza dopo, mi sono ritrovata a Zagabria alla mia prima audizione per giovani ballerini professionisti, dove sono arrivata con pochissima esperienza pratica nella danza contemporanea e una grande ambizione di imparare, che si è rivelata sufficiente per iniziare il mio primo percorso professionale nell’organizzazione del Centro di danza di Zagabria e del coreografo belga Thierry Smits. Quell’impegno mi ha effettivamente aperto le porte per professionalizzare nel campo della danza contemporanea e mi ha indirizzato verso l’iscrizione a un’accademia di danza. Pensando agli ostacoli sulla strada, è difficile per me individuare un momento negativo. Certo, ci sono stati innumerevoli giorni e decisioni difficili, proprio come in qualsiasi altra professione. Il sovraffollamento del mercato del lavoro e di conseguenza le scarse opportunità di ingaggio è un dato che definirei come il più significativo. Inizi consapevolmente se credi in quello che stai facendo e poi gli ostacoli svaniscono lentamente. Questo tipo di atteggiamento mi ha aiutato anche nella mia carriera. Non separo la mia carriera professionale dalle altre aree della mia vita. Vivo davvero la mia vocazione e cerco di conservare in essa solo le cose che mi soddisfano ogni giorno. Questo atteggiamento mi apre sempre gli occhi e mi indica la strada giusta.
MOTIVAZIONE NELLA CREAZIONE DELLE COREOGRAFIE
– Molte cose mi ispirano. Attualmente, il mio repertorio comprende antiche culture e rituali, musica che raffigura la tradizione e la contemporaneità, danza sociale, ma anche alcune domande spirituali a cui cerco le risposte attraverso il lavoro creativo. Lo ritengo speciale ed è importante essere inclusivi nei confronti di coloro per i quali creo le coreografie offrendo il materiale che li metta alla prova, ma che anche costruisce la loro fiducia in se stessi e una sorta di relazione positiva con il loro essere. Dato che attualmente lavoro principalmente con donne dai 20 ai 70 anni, sono orientata alla creazione di materiale coreografico che li offra una soddisfazione sia livello fisico che a livello emotivo. Il miglior indicatore per me è l’atteggiamento che un ballerino mostra dopo aver eseguito la coreografia, ovvero lo stato fisico ed emotivo in cui lascia la sala dopo la lezione. Questo è ciò che mi motiva e mi ispira a portare altri momenti simili in sala. Ricordo in particolare la coreografia di Eleonore Valerie Lachky “When you brush a form clean it becomes truly what it is”. È una coreografia diretta da una coreografa belga con cui ho avuto l’opportunità di collaborare nel 2018. È specifica in termini di intensità della performance, il movimento staccato che ricorda una registrazione veloce come anche il concetto della coreografia stessa, in cui non c’è nulla di mirato che il pubblico vuole trasmettere tematicamente o concettualmente, ma si basa esclusivamente sugli aspetti visivi e sonori della performance. Per me è un tipo di arte vivente che è concettualmente così semplice, ma tecnicamente così complessa da eseguire e guardare. Mi ha ispirato nelle opere di molti autori in seguito, ma anche nel modo in cui voglio creare la mia arte – accessibile e comprensibile a tutti.
SORRISO
– Un sorriso è la cosa più importante nella danza. Se sei un ballerino professionista e il tuo lavoro non ti fa sorridere, le cose semplicemente non funzionano. È un percorso molto faticoso, pieno di rinunce, e dà così poco in cambio in senso convenzionale. Pertanto, se non c’è soddisfazione, appagamento e senso di scopo in ciò che fai, è molto difficile progredire professionalmente. Se sei un dilettante, senza un sorriso e la soddisfazione in quello che stai imparando, imparerai ben poco prima di mollare. Ballare non è un esercizio che puoi venire a fare e tornare a casa soddisfatto del risultato fisico e dimenticare il processo che fai in palestra. La mia esperienza è che i dilettanti che rimangono a lungo sono davvero presi dalla danza all’inizio, e ogni ora li porta un sollievo dalle preoccupazioni quotidiane, un senso di realizzazione personale e un semplice sorriso sul volto. Per questo motivo tornano anche nei giorni in cui nient’altro funziona.